Takeshi es un ilustrador y artista francés residente en Nueva York. El trabajo ilustrativo de Takeshi es famoso por su sensación surrealista, la calidad de sus fotomontajes, así como los tratamientos de luz y las composiciones coloridas.



Su trabajo ha sido presentado en numerosas publicaciones como Taschen: Illustration Now, Computer Arts: Book of Inspiration, Joia Magazine, Graffiti Arts, Design and Design.com’s Book of the Year, y Fashionize: Illustration Will Rule The World. Takeshi es un ilustrador y artista neoyorquino de Saint Etienne, Francia.
El trabajo ilustrativo de Takeshi es famoso por su sensación surrealista, la calidad de sus fotomontajes, así como los tratamientos de luz y las composiciones coloridas. Su trabajo ha sido presentado en numerosas publicaciones como Taschen: Illustration Now, Computer Arts: Book of Inspiration, Joia Magazine, Graffiti Arts, Design and Design.com’s Book of the Year, y Fashionize: Illustration Will Rule The World. Takeshi también es colaborador habitual de las revistas internacionales de ilustración digital Computer Arts y Advanced Photoshop.



Emeric’Takeshi’ Trahand, nacido en Nueva York y nacido en Francia, es famoso por su habilidad visual suprema y su uso característico del color y el fotomontaje, que le han valido comisiones de gente como Nike, Adidas o Swatch, por mencionar solo unos pocos. DASH tuvo la suerte de presentar su obra de arte original como parte de la edición actual’Transformación’ Primavera / Verano 2014 y se ha reunido con él para conversar un poco.

Emeric, tu colectivo de carga personal se titula "Still On The Run". ¿Puedes decirnos de quién o de qué estás huyendo? Soy un mercenario, vendo mis habilidades. Estoy huyendo de la similitud y la falta de carácter; Corriendo de un trabajo a otro, sin siquiera asentarme.

Eres originario de Saint Etienne en Francia, pero has venido a residir en la Gran Manzana. ¿Cómo te ha dado forma este movimiento como artista y diseñador? Nueva York es un lugar poderoso. Te complace, te quema, te cambia para bien o para mal. Es mucho sobre su ritmo, sus luces, la idea de que es el centro de algo. Dejar todo detrás de ti y comenzar la vida de nuevo en un lugar diferente te da la forma de ser humano, y es innegable que este traslado a Nueva York también me ha afectado profundamente como artista. Cambió mi perspectiva sobre el tiempo y el espacio, me permitió conocer a las personas adecuadas, acercarme a los trabajos que quería obtener. Todo esto combinado definitivamente me hizo un artista mucho más logrado, al menos comercialmente.

¿Cómo define la relación entre habilidad técnica y creatividad en su trabajo? En cuanto a la habilidad técnica, creo en la exploración y el desafío. No quiero que mi arte sea definido por sus limitaciones.. Mis últimos trabajos son innegablemente técnicamente simples en comparación con lo que solía ser conocido. Uso formas y composiciones más simples. Sin embargo, esto no significa que el proceso sea más sencillo. Por el contrario, trabajar con menos artificio requiere más precisión y gusto en lo que se está utilizando. Después de años de desviarme por los trucos técnicos fabricados, trato de centrarme en algo más puro y esencial, como un esfuerzo básico en composición, tonos y materiales.

¿Se aproxima a las comisiones para compañías de renombre de manera diferente a cuando trabaja en proyectos editoriales más pequeños? Lo que realmente importa es el proyecto, la idea, la posibilidad de expresar la belleza. Me acerco a las comisiones según eso, en lugar de preocuparme demasiado por quién es el cliente. Se trata mucho de sinceridad hacia el oficio primero.

¿Cómo lograr un equilibrio al cumplir con el escrito de un cliente sin comprometer su propia integridad como artista? La noción de "cliente" es, en esencia, un compromiso con una visión artística. La realidad es un tenue equilibrio entre las realidades comerciales, las expectativas de los clientes, los egos de los actores y un poco de genuina voluntad de hacer algo bonito. Se necesita práctica y mucha abnegación.

¿Cuál es su factor decisivo al aceptar o pasar una comisión? Casi solo necesito ver que seremos capaces de hacer algo hermoso y, con suerte, nunca antes visto con demasiada frecuencia.. Intento mantenerme alejado del estado de copia y repetición en el que algunas agencias están atascadas.



Su cartera de clientes es increíblemente diversa y comprende músicos, sellos musicales, marcas de moda, e incluso el Gran Premio de Montreal. ¿Qué siente usted que hace que su trabajo sea tan atractivo y comercialmente viable? Yo trabajo mucho. Lo he hecho desde que empecé hace ocho años. Siempre trato de producir lo mejor que puedo en un momento dado, gastando mucho tiempo y energía tratando de definir una visión personal. Creo que eso es lo que hace la diferencia.

Las combinaciones de colores de collage / montaje y llamativos se encuentran en gran medida en su trabajo. ¿Puede hablarnos a través de su proceso de desmontaje y montaje? Principalmente trabajo con collages de fotos elementales y planos de materiales que he recopilado durante los meses. Pueden ser piezas de revistas, libros, carteles, papeles, postales, todo lo que tenga un aspecto gráfico puede convertirse en material de construcción. También me alimento mucho de hallazgos aleatorios en internet. Mezclo un proceso artesanal de corte y pegado con composición digital. Intento usar la computadora solo como una extensión de lo que haría con mis manos y mantenerme alejado de demasiados trucos, efectos especiales o tratamientos. Principalmente busco la imperfección del trabajo hecho a mano, tiene una calidez única y me atrae..

¿Qué, aparte de los plazos, le da la sensación de que se ha terminado un trabajo? Después de trabajar en imágenes durante todos estos años, hay una gran parte del proceso que se realiza de manera inconsciente. Algún automatismo profundo. Supongo que mi cerebro hará esta parte por mí. No estoy seguro de por qué, pero solo sé cuándo está hecho.

¿Hay alguien (marca, empresa u otro) al que literalmente dejaría de lado si se le encarga hacer una pieza por ellos? Me atraen visceralmente las escalas más grandes, las obras de arte que viven en un espacio, en lugar de una pantalla o impresión. No dejaría todo por un cliente, pero definitivamente le daría atención a cualquier cliente que quiera hacer trabajos a mayor escala.