Takeshi est un illustrateur et artiste français basé à New York. L’œuvre illustrative de Takeshi est réputée pour sa sensation surréaliste, la qualité de ses photomontages ainsi que les traitements légers et les compositions colorées.



Son travail a été présenté dans de nombreuses publications telles que Taschen: Illustration Now, Computer Arts: Book of Inspiration, Joia Magazine, Graffiti Arts, Book of the Year of Design & Design.com et Fashionize: Illustration Will Rule The World. Takeshi est un illustrateur et artiste basé à New York de Saint Etienne, France.
L’œuvre illustrative de Takeshi est réputée pour sa sensation surréaliste, la qualité de ses photomontages ainsi que les traitements légers et les compositions colorées. Son travail a été présenté dans de nombreuses publications telles que Taschen: Illustration Now, Computer Arts: Book of Inspiration, Joia Magazine, Graffiti Arts, Book of the Year of Design & Design.com, et Fashionize: Illustration Will Rule The World. collaborateur régulier des magazines internationaux d’illustration numérique Computer Arts et Advanced Photoshop.



L’artiste et illustrateur né en France, basé à New York, Emeric’Takeshi’ Trahand est réputé pour son habileté visuelle suprême et son utilisation signature des couleurs éclatantes et du photomontage, qui lui ont valu des commissions de la part de Nike, Adidas ou Swatch, pour ne citer que quelques. DASH a eu la chance de présenter son œuvre originale dans le cadre du numéro actuel’Transformation’ du printemps / été 2014 et l’a rencontré pour une petite conversation.

Emeric, votre collectif de fret personnel s’intitule «Still On The Run». Pouvez-vous nous dire à qui ou à quoi vous fuyez? Je suis un mercenaire - je vends mes compétences. Je fuis la similitude et le manque de caractère; courir d’un travail à l’autre, sans jamais s’installer.

Vous êtes originaire de Saint Etienne en France, mais êtes venu résider dans la Big Apple. Comment ce mouvement vous a-t-il façonné en tant qu’artiste et designer? New York est un endroit puissant. Il vous plaît, vous brûle, vous change pour le meilleur et pour le pire. C’est beaucoup sur son rythme, ses lumières, l’idée que c’est le centre de quelque chose. Laisser tout derrière vous et recommencer la vie dans un endroit différent vous façonne en tant qu’être humain, et il est indéniable que ce déménagement à New York m’a aussi profondément affecté en tant qu’artiste. Cela a changé ma vision du temps et de l’espace, m’a permis de rencontrer les bonnes personnes, de me rapprocher des emplois que je voulais obtenir. Tout cela combiné a définitivement fait de moi un artiste beaucoup plus accompli, du moins commercialement.

Comment définissez-vous la relation entre compétence technique et créativité dans votre travail? En ce qui concerne les compétences techniques, je crois à l’exploration et au défi. Je ne veux pas que mon art soit défini par ses limites. Mes derniers travaux sont indéniablement techniquement simples par rapport à ce pour quoi j’étais connu. J’utilise des formes et des compositions plus simples. Cela ne signifie pas pour autant que le processus est plus simple. Au contraire, travailler avec moins d’artifice nécessite plus de précision et de goût dans ce qui est utilisé. Après des années de détournement par des astuces techniques fabriquées, j’essaie de me concentrer sur quelque chose de plus pur et essentiel, comme un effort de base sur la composition, les tons et les matériaux.

Envisagez-vous les commissions pour les grandes entreprises différemment que lorsque vous travaillez sur de petits projets éditoriaux? Ce qui compte vraiment, c’est le projet, l’idée, la possibilité d’exprimer la beauté. J’approche les commissions en fonction de cela, plutôt que de trop me soucier de qui est le client. Il s’agit d’abord de sincérité envers le métier.

Comment trouver un équilibre lorsque vous vous conformez au dossier d’un client sans compromettre votre propre intégrité en tant qu’artiste? La notion de «client» est par essence un compromis à une vision artistique. La réalité est un équilibre ténu entre les réalités commerciales, les attentes des clients, les ego des acteurs et un tout petit peu de véritable volonté de faire quelque chose de joli. Cela demande de la pratique et beaucoup d’abnégation.

Quel est votre facteur décisif lors de l’acceptation ou du transfert d’une commission? J’ai à peu près seulement besoin de voir que nous allons pouvoir faire quelque chose de beau et, espérons-le, jamais vu trop souvent avant. J’essaie de rester à l’écart de l’état de copie et de répétition dans lequel certaines agences sont coincées.



Votre portefeuille de clients est incroyablement diversifié, comprenant des musiciens, des labels de musique, des marques de mode, même le Grand Prix de Montréal. Selon vous, qu’est-ce qui rend votre travail si attrayant et commercialement viable? Je travaille beaucoup. Je l’ai fait depuis que j’ai commencé il y a huit ans. J’essaie toujours de produire du mieux que je peux à un moment donné, en dépensant beaucoup de temps et d’énergie à essayer de définir une vision personnelle. Je pense que c’est ce qui fait la différence.

Le collage / montage et les combinaisons de couleurs saisissantes sont très présents dans votre travail. Pouvez-vous nous parler de votre processus de démontage et de remontage? Je travaille principalement avec des collages élémentaires et plats de photos à partir de matériaux que j’ai rassemblés au cours des mois. Il peut s’agir de morceaux de magazines, de livres, d’affiches, de papiers, de cartes postales, tout ce qui a un aspect graphique peut devenir un matériau de construction. Je me nourris aussi beaucoup de trouvailles aléatoires sur Internet. Je mélange un processus artisanal de découpe et de collage avec une composition numérique. J’essaie de n’utiliser l’ordinateur que comme une extension de ce que je ferais avec mes mains, et de m’éloigner de trop de trucs, d’effets spéciaux ou de traitements. Je recherche surtout l’imperfection du travail fait à la main - il a une chaleur et un attrait uniques pour moi.

À part les délais, qu’est-ce qui vous donne l’impression qu’un travail est terminé? Après avoir travaillé sur les images pendant toutes ces années, il y a une grande partie du processus qui est réalisée inconsciemment. Un certain automatisme profond. Je suppose que mon cerveau fera cette partie pour moi. Je ne sais pas pourquoi, mais je sais juste quand c’est fait.

Y a-t-il quelqu’un (marque, entreprise ou autre) pour qui vous abandonneriez littéralement autre chose si on lui demandait de faire un morceau pour eux? Je suis visuellement attiré par des échelles plus grandes - des œuvres d’art vivant dans un espace - plutôt que sur un écran ou une impression. Je ne laisserais pas tout tomber pour un client, mais je donnerais certainement mon attention à tout client qui souhaite faire des travaux à plus grande échelle.