Des pièces fantastiques en cire de Keetra Dean Dixon et Jonathan Keller.



Keetra décrit son processus dans la dernière édition de 8 Faces Magazine:

«Nous coupons des formulaires de type positif et les positionnons sur le dessus de la grille, et nous prenons de la cire chaude et commençons manuellement à enduire toutes ces formes de lettres et à attraper les gouttes en dessous dans les bassins. Et à mesure que les couches refroidissent, nous changeons la couleur de la cire que nous leur appliquons et nous la superposons manuellement encore et encore jusqu’à ce qu’elle accumule une masse de cire. Ensuite, nous devons retirer les lettres positives de l’intérieur du morceau de cire. »Je suis un peu brisé en ce moment. Depuis que j’ai obtenu le concert d’enseignement, je travaille sur le curriculum. En fait, le fait de construire un cours de conception expérientielle est en quelque sorte une conception expérientielle longue, donc je m’amuse avec ça. Je prévois également une transformation de studio géante. Ma pratique après avoir déménagé dans le Rhode Island va se limiter à la production de biens qui stimulent ou reflètent le processus créatif. Un bon exemple est les crayons de réoutillage que je fais. Le but était d’encapsuler l’approche de la créativité d’un débutant et de la combiner avec la tendance du designer ou de l’artiste à fétichiser les outils et à les considérer comme sacrés.. Je voulais créer un objet qui code une question aux utilisateurs en dehors de la pratique du design ou des arts, qui les a fait demander, est-ce un outil à utiliser ou un objet à conserver?

Mission
Unir mon amour d’apprendre, de faire et d’enseigner dans une pratique singulière en studio. En matière d’enseignement, favoriser l’intégration de la R&D dans les méthodes de conception graphique plus traditionnelles. Plus généralement et pour le travail d’auto-auteur, mon objectif est toujours de faciliter ou de refléter la relation sociale, de remettre en question les modèles et les normes compris, et de cultiver une ouverture avec le jeu.



Quand avez-vous décidé que vous vouliez devenir designer?
J’ai grandi en Alaska et je ne savais vraiment pas ce qu’était le design, et je n’ai pas pensé qu’il y avait une action de conception impliquée dans la fabrication d’objets. Au cours du premier cycle, j’ai suivi un cours de conception graphique d’entrée de gamme dans le cadre de mes études fondamentales, et j’ai été initié à la psychologie de la Gestalt et aux principes généraux de la perception. C’est alors que j’ai su que c’était absolument la chose pour moi! Ce fut un soulagement d’avoir cet ensemble général de guides pour m’aider à comprendre, de manière plus objective, comment les autres percevaient le travail visuel. C’était mon premier aperçu de ce que les méthodologies de conception plus profondes avaient à offrir. La psychologie de la Gestalt m’a totalement séduit dans le design.

Éducation
Je suis allé au Minneapolis College of Art and Design grâce à une bourse de peinture, puis j’ai changé ma spécialité en graphisme. Pour mon diplôme d’études supérieures, je suis allé à Cranbrook et j’ai étudié la conception 2D, même si la majorité du travail que je faisais était en fait tridimensionnel et expérientiel.

Premier travail de conception
Au MCAD, je supposais que je ne voulais jamais travailler dans la publicité, mais je n’avais aucune expérience réelle dans le domaine. J’ai donc décidé de l’essayer avant de l’exclure et j’ai obtenu un stage chez Carmichael   Lynch à Minneapolis. Je l’ai aimé! Je travaillais avec des gens fantastiques qui étaient vraiment passionnés par ce qu’ils faisaient et qui avaient une méthode interne hyper-stricte et hyper-structurée. C’est en fait là que j’ai appris beaucoup de stratégies de réflexion que j’utilise encore aujourd’hui. Je suis super reconnaissant pour ce travail.

Quelle a été ta grande pause?
Après avoir obtenu mon diplôme de MCAD en 1999, j’ai déménagé à San Francisco et j’ai décroché un emploi avec un groupe appelé Futurefarmers. Ils faisaient des vagues sur Internet en tant que premiers créateurs de formes esthétiques, en explorant l’interactivité de manière inhabituelle et en définissant de nouvelles définitions de ce qui était possible sur le Web. J’avais le béguin pour leur esthétique en général, donc quand j’ai eu un travail avec eux, j’ai eu l’impression d’avoir réussi.



Quand j’ai commencé à travailler là-bas, il n’y avait que trois personnes, dont moi, et le studio était vraiment une extension de la fondatrice, Amy Franceschini. À l’époque, elle effectuait 50% de travaux axés sur le client et 50% de travaux d’auto-rédaction, mais elle voulait passer à un travail entièrement auto-rédigé. Essentiellement, mon rôle est devenu la prise en charge de tout le travail du client et l’émulation d’une certaine manière. Elle m’invitait dans son bureau et je me tenais par-dessus son épaule et regardais son travail; c’est vraiment devenu cette relation mentor-mentoré. Au cours de mon processus d’apprentissage des méthodes de conception, je pense que j’ai perdu une partie de l’aspect ludique et de l’exploration intuitive qui vient tout naturellement, avant d’avoir été formé à une méthode. Amy m’a donné la permission de réintégrer tout ça dans ma façon de travailler. Et elle m’a donné une tonne d’autonomie, ce qui, en y repensant, était fou mais incroyablement confiant.
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